Pienso, luego escribo: Cine

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A las personas como Ellen la comida les produce pavor. El plato lleno de alimentos, sea cuales sean, se les antoja un abismo de ansiedad que las paraliza. Llevarse un bocado a la boca, incluso de la comida más deliciosa, supone una tortura que activa el terror más profundo en la mente de quienes están obsesionados con su peso.

Porque lo que quieren las personas como Ellen, las personas que sufren anorexia, es llegar hasta los mismísimos huesos y que su piel se funda con ellos hasta hacerse invisible.

¿Cómo lo haces? Pregunta Ellen a un compañero del centro de rehabilitación en el que se encuentra. ¿El qué? Pregunta él. A lo que ella responde: comer.

Esa es la gran pregunta de los internos que, como la protagonista, sufren un trastorno alimentario que se manifiesta a través de las manías más extrañas y desconcertantes: contar las calorías exactas de un planto, saborear un alimento sin llegar a tragárselo, conformarse con oler el envoltorio de una chocolatina... Todo con tal de evitar un hábito tan indispensable como respirar.

Ellen llega a este lugar gracias a un programa especial del Dr. Beckham, en el que tendrá que convivir en una casa con 6 personas que comparten precisamente esta condición. Todos ellos son personajes que muestran las distintas causas y consecuencias que "el miedo a comer" puede ocasionar en las personas.

Como es de esperar, esta es una película de esas que nos dan un bofetón de realidad. Porque nos recuerda, una vez más, que vivimos en una sociedad enferma en la que, solo en España, se detectan alrededor de 80.000 casos de anorexia al año, donde, además, un gran porcentaje está compuesto por mujeres de entre 14 y 24 años.

Y entre las causas del problema, como siempre complejas, resalta ese culto a la delgadez que se transmite como un bombardeo frenético en los medios de comunicación y las redes sociales, esa malsana obsesión por el cuerpo que en algunos casos se convierte en una nefasta enfermedad.

Sin embargo, una de las cosas que más me gustó de Hasta los huesos es que denuncia este creciente problema con la dosis justa de dramatismo, pues en ella los momentos duros se turnan con pequeños escapes de risas y mensajes de esperanza que la hacen una película cruel, pero extrañamente enternecedora. La interpretación física y psicológica de todo el reparto es fantástica, aunque especialmente la de Lilly Collins, que hace que su personaje nos llegue a nosotros también hasta los huesos. Sin embargo, es cierto que se deja muchas cosas en el tintero, como los métodos de propagación en internet (los conocidos como blogs de Ana y Mia, por ejemplo), las secuelas físicas, la presión social de estar delgada que transmiten los medios y la moda, etc., ya que son aspectos que se dejan intuir sin profundizar verdaderamente en ellos.

Pero, a pesar de todo, yo creo que esta cinta es principalmente una forma de aproximarnos con más conocimiento y menos prejuicio a las enfermedades de la mente. Sí, porque los trastornos como la anorexia o la bulimia no son más que eso. Lo batalla contra el cuerpo, simplemente, viene después.

Publicado el 23/11/2017

No había visto nada aún de Sofia Coppola. Pero, pensé, un nombre de renombre en el cine tiene sus porqués, así que decidí que empezar la casa por el tejado no tendría por qué ser un problema. Es verdad que tal vez hubiese sido mejor aguantarme las ganas y comenzar por el principio, por ese título de Lost in Translation que al parecer se ha ganado el respeto del público y la crítica. Pero el miércoles era el día del espectador, y ¿cómo decir no a una entrada a mitad de precio, en estos tiempos que corren?

Coppola nos transporta a la Guerra Civil norteamericana, en un entorno que recuerda inevitablemente a esos paisajes de la idílica Lo que le viento se llevó en los que la valiente Scarlett O'Hara se paseaba tan dueña de sí misma. No obstante, poco a poco comienzas a darte cuenta de que en esta cinta de reparto mayoritariamente femenino, no hay espacio para ninguna heroica Escarlata con la melena al viento. Lo que encontramos en cambio es a una Nicole Kidman al mando de una escuela de señoritas sureñas de distintas edades que custodian la casa durante los tiempos de guerra. Su rutina de estudio, cocina, jardinería y costura cambia cuando Jonh McBurney, un soldado yanki malherido, es rescatado por una de las jovencitas.

La presencia de este perturbará la aparente tranquilidad del grupo. Debatiéndose entre la curiosidad, la atracción y los celos, el ambiente supuestamente cordial y refinado de la casa comienza a enrarecerse por ese yanki que en principio no debería estar ahí. Durante la peligrosamente lenta primera parte de la película, crees que "La seducción" es un título que le viene al pelo, ya que el flirteo y la sensualidad se muestran, de alguna extraña manera, como el tema central de la historia. En ese momento, comienzas a preguntarte si el auténtico mensaje no viene a ser otro que la competitividad femenina es muy mala cuando hay un macho de por medio, y rezas para que tu primera película de Coppola no vaya a ser tan decepcionante.

A continuación, después de esa confusa y tediosa introducción, el ritmo cambia totalmente. Hay un punto de inflexión en la trama que despierta en el espectador la atención no solo por los hechos en sí, sino por el nuevo tono que adquiere la historia. De pronto la lujuria se transforma sorprendentemente en misterio y algo de sangre y los acontecimientos responden ahora a un tipo de thriller que no deja de ser desconcertante. Porque sigues estando algo perdido, aunque expectante... hasta que llega el final, que no es que sea inesperado, ni siquiera abrupto, pero sí un tanto decepcionante, no en sí mismo, sino por todo el conjunto del filme.

Cuando llega el desenlace, después de un metraje en el que se parchearon la lujuria y el thriller, sin decidirse por cuál ocupa mayor protagonismo, tienes (tuve) la sensación de que no era en absoluto lo que esperabas. Y que exceptuando esos típicos términos para alabar una cinta como "banda sonora", "reparto" o "fotografía", piensas que Coppola tiene que hacerlo mucho mejor la próxima vez.

Publicado el 1/9/2017

¿Podemos dejar de ser quien somos?

Esa es la pregunta a la que le das mil vueltas al terminar de ver esta preciosa película que os traigo hoy. Ya adelanto que no voy a esconder el sentimentalismo ni la emotividad que experimenté no solo al presenciar la última escena, sino también durante estos días en los que aún esa pregunta del principio me sigue rondando la cabeza.

Está claro que somos esclavos de nuestro pasado, pero más aún de nuestro destino. Y nada podemos hacer cuando las tuercas de uno y otro se entrelazan para recordarnos de dónde venimos.

Así, en Lion se nos narra la historia de Saroo Brierly, un niño indio de cinco años que cierto día se pierde por las calles de Calcuta, a cientos de kilómetros de su casa, tras quedarse dormido en el vagón de un tren. Lejos de su hermano Guddu y su preciada madre, Saroo vaga por las calles desprotegido y solo hasta que lo acogen en un orfanato. Pero, al ser tan pequeño, es incapaz de identificar correctamente el pueblo en el que vive, por lo que es dado en adopción a una familia australiana que cambiará su vida por completo.

Siempre he pensado que es curioso cómo el destino nos elige a dedo para cambiar nuestra suerte. Y eso fue precisamente lo que le ocurrió al protagonista: de entre los miles de niños que vivían en la pobreza más absoluta, Saroo fue uno de los pocos que pudo optar a una existencia mucho más digna.

De esa misera humana que tan bien se retrata en la película (superpoblación, calles sucias, impunidad, hambre, pobreza) vemos cómo nuestro pequeño y adorable niño se traslada a un mundo de lujos, riquezas, abundancia. India y Australia reflejan la injusticia de un planeta en el que, mientras unos poseen nada o casi nada, otros tienen todo y más.

Y así es como pasan 25 años hasta que, cierto día, Saroo conoce la existencia de Google Earth, una aplicación novedosa en aquel momento (año 2008). A partir de entonces, tendrá que lidiar en su interior con su deseo de reencontrar a su familia biológica a través de este medio y el pavor de no saber las consecuencias que tiene el volver atrás.

Creedme cuando os digo que la cinta mantuvo mi corazón en un puño de principio a fin. La emotividad, la ternura, la desolación y la incertidumbre que sientes por todo lo que le ocurre a Saroo, las reflexiones que te plantean sobre la adopción, los lazos familiares, las desigualdades y el dolor de la pérdida te provocan esas profundas emociones que demuestran cuándo una película ha logrado su cometido.

Sunny Pawar junto a Dev Patel

Junto a ello, un reparto de lujo entre Nicole Kidman, Rooney Mara, Dev Patel (Slumdog Millionaire) o el adorable Sunny Pawar (quien nunca había participado en ninguna película), una fotografía espectacular y una banda sonora maravillosa, es imposible permanecer indiferente.

¿Que queréis otra razón para verla? Pues que este filme está basado en hechos reales. Saroo Brierley es un hombre de procedencia india rescatado por una familia australiana que también decidió volver al pasado con la intención de abrazar a su verdadera madre.

Así que toda esta historia tiene un trasfondo real que nos recuerda por enésima vez que los límites entre la realidad y la ficción a veces están difuminados. Y que, por cierto, los premios Óscar no siempre son justos...

Trailer aquí.